Pensieri, parole ma soprattutto foto... di Paola: Personaggi da ricordare

Omaggio a...

Mon, 24 Sep 2007 06:44:32 GMT

Un tributo ed un saluto a chi ci ha insegnato che,

seppur importanti,

le parole non sempre sono indispensabili per trasmettere un’emozione

In memoria di...

Mon, 15 Jan 2007 22:02:39 GMT

La notizia è apparsa, a partire da ieri su internet, uno dei grandi sassofonisti della storia del jazz, Michael Brecker è scomparso il 13 gennaio in un ospedale di New York, non ancora 58enne è stato stroncato dalla leucemia che lo affliggeva da quasi due anni.

Ha inciso più di 900 album, ha vinto 11 Grammy come musicista e compositore, ha collaborato praticamente con tutti i grandi del jazz e non solo, da Paul Simon a Joni Mitchell, da Lou Reed a John Lennon o Elton John, da Pat Metheny ad Herbie Hancock, o il grandissimo Chet Baker e tanti tanti altri.

Di lui hanno scritto “Aveva un tono robusto e concentrato, e alcune delle sue frasi alludevano a Coltrane. Tuttavia, forse per aver lavorato nella musica pop, dove gli assoli devono essere concisi e incisivi, Brecker era soprattutto inimitabile nel concentrare l'eccitazione in spazi ristretti. Riusciva a dispiegare l'intera estensione del suo strumento (il sax tenore) in unico assolo, dalle note più basse ai sopracuti, e a collegare concetti rarefatti a fraseggi ricchi e pieni di soul”.

Ed è proprio così, nella penombra del Ronnie Scott di Londra, che voglio ricordarlo… il suo sax illuminato da un filo di luce e la sua melodia, in un silenzio quasi irreale, capace di far sognare me e centinaia di altre persone.

Tamara de Lempicka

Sat, 14 Oct 2006 11:41:20 GMT

Tamara Gorska - in arte de Lempicka, dal cognome del marito Lempicki - nasce a Varsavia, da facoltosi genitori, il 16 maggio 1898.

A 13 anni, assieme alla nonna, visita l'Italia e scopre la sua passione per l'arte.

A 16 anni conosce Tadeusz Lempicki, giovane avvocato di Pietroburgo, che sposerà due anni dopo.

Assieme conducono una vita brillante, incuranti degli stravolgimenti politici russi, finché nel 1917, dopo la rivoluzione d'ottobre, Tadeusz viene arrestato dalla Ceka - la polizia segreta bolscevica - per la sua militanza nelle file controrivoluzionarie. Mentre la sua famiglia si era già trasferita, Tamara rimane a Pietroburgo e, grazie alle sue relazioni, ottiene presto la liberazione del marito.

Finalmente nel 1918 arrivano entrambi a Parigi, dopo una sosta a Copenaghen. In questo periodo nasce la figlia Kizette, mentre il matrimonio inizia a naufragare, ed è questo il momento in cui (per stessa ammissione dell'artista) nasce il bisogno di esprimersi e dipingere. Prende quindi lezioni di pittura, prima da Maurice Denis e poi da André Lhote, con l'intento di vendere i suoi quadri e così guadagnarsi da vivere.

Nel 1922 partecipa al Salon d'Automne. Dopo questa sua prima apparizione, la pittrice continua a esporre a Parigi fino alla seconda metà degli anni Trenta.

In questo periodo l’artista diventa l’icona dell'Art Déco, tramite il suo tratto pittorico vivace, moderno e "fotografico" firma i folli anni Venti e Trenta, di cui è sicuramente una delle protagoniste più note, dando particolare rilievo alla figura femminile, stringendo un legame culturale con la moda, anticipando nuovi stili di vita.

Le sue donne, ancora oggi significativo modello di riferimento per l'editoria, la pubblicità e il cinema, trasmettono un appeal malinconico ed euforico, realista e ludico, frutto di quel mix di identità linguistiche e linguaggi pittorici - cubismo russo-francese e ordine franco-italiano - che hanno caratterizzato il suo percorso artistico.

Nel 1928 Tamara divorzia dal marito e nel 1933 sposa, sotto consiglio della madre, il barone Kuffner, assieme al quale si trasferisce nel '43 a New York.

Questo è un periodo rado in cui le esposizioni sono meno frequenti e i critici meno attenti alle sue opere. Questo però è il periodo delle opere a carattere umanistico e pietistico, i corpi non sono più sottoposti alla memoria cubista bensì assumono forme più dolci, spiegate da una crisi dell'artista nel periodo della seconda guerra mondiale che la costringe, appunto, a trasferirsi in America.

Nel 1941 si tengono delle personali a New York, Los Angeles e San Francisco. Di questo periodo si noti la perfezione formale della composizione, curata nei particolari con cura e preziosità tecnica che sembra discendere dai maestri fiamminghi e che verrà contrapposta al dilagante astrattismo. Con questo spirito vengono esposte le sue opere nel '57 a Roma.

Intorno al 1960 lo stile muta a vantaggio dell'arte astratta con l'utilizzo della spatola, contorni confusi e pochi accenni di colore. L'indifferenza della critica alla mostra di New York del 1962, anno nel quale muore per infarto il barone Kuffner, spinge l'artista a dichiarare che non avrebbe più partecipato ad alcuna esposizione.

Tamara de Lempicka muore il 18 Marzo 1980 a Cuernavaca, in Messico, durante il sonno. Conformemente ai suoi desideri, Kizette ne spargerà le ceneri sul cratere del vulcano Popocatépetl.

Umberto Boccioni

Sat, 14 Oct 2006 11:01:38 GMT

Umberto Boccioni (1882-1916) è stato il maggior esponente del futurismo italiano. Nato a Reggio Calabria, si trasferì a Roma all’età di diciotto anni. Qui iniziò il suo apprendistato artistico prendendo lezioni di disegno e frequentando la Scuola libera del nudo. A Roma Boccioni entrò in contatto con Severini e Sironi ed insieme ai due frequentò lo studio del più anziano Giacomo Balla, da poco rientrato da Parigi.

Nel 1907 si trasferì a Venezia e, dopo altri viaggi compiuti a Parigi e in Russia, si stabilì a Milano. In questa fase prefuturista la pittura di Boccioni si modella soprattutto sulla lezione di Balla: la pittura dal vero e la tecnica divisionista. I suoi interessi per la vibrazione del colore e della luce lo portano ad esiti molto vicini all’ambiente divisionista del nord Italia, dove il maggior rappresentante restava Pellizza da Volpedo, scomparso proprio in quegli anni (1907). I soggetti dei quadri di questo periodo, soprattutto nella scelta di periferie urbane in costruzione, anticipano i successivi sviluppi del futurismo. A Milano Boccioni ha anche modo di conoscere la pittura simbolista di Previati e della Secessione viennese e la pittura espressionista tedesca.

L’incontro con queste tendenze lo porterà ad attenuare i suoi interessi per il naturalismo e a ricercare una pittura più intensa sul piano psicologico ed espressivo. Nacquero così alcune sue celebri tele, quali il famoso trittico degli «Stati d’animo». Il suo interesse per la psicologia, tuttavia, non ebbe mai i toni decadenti e raffinati della pittura simbolista, ma si concentrò sui temi della interiorità dell’uomo moderno, coniugando a ciò le suggestioni più intense del futurismo.

Nel gennaio del 1910 conobbe Marinetti, e l’incontro risultò decisivo per i successivi sviluppi della sua pittura. La sua adesione alle idee futuriste di Marinetti fu immediata e dopo pochi mesi firmò il primo manifesto della pittura futurista. La svolta stilistica avviene con la redazione del quadro «La città che sale» realizzato sempre nel 1910. L’anno successivo fu il principale ispiratore del Manifesto tecnico della pittura futurista. In esso si definisce più chiaramente il parametro fondamentale del futurismo in pittura: la «sensazione dinamica». La scomposizione della luce e del colore si unisce alla scomposizione dei volumi e dello spazio, portando il futurismo ad esiti molto vicini al cubismo.

Dal 1911 si dedica alla scultura, nella quale giunge in breve tempo a risultati eccezionali. Nel 1912 redige il Manifesto tecnico della scultura futurista, ma, più che l’attività teorica, appaiono subito straordinari gli esiti a cui giunge con la sua opera. Con la scultura «Forme uniche nella continuità dello spazio» (1913), Boccioni realizza una delle sculture più famose in assoluto di questo secolo. Indaga la deformazione plastica di un corpo umano in movimento, giungendo ad una forma aerodinamica dove il corpo, stilizzato al limite della riconoscibilità, riesce tuttavia a trasmettere una grande sensazione di forza e di potenza. La statua diviene il simbolo stesso dell’uomo futuro, così come lo immaginavano i futuristi: novello Icaro, metà uomo e metà macchina, lanciato in corsa a percorrere il mondo con forza e velocità.

In breve diviene il maggior artista italiano del periodo. Partecipa a numerose manifestazioni in Italia e all’estero. La sua attività si svolge anche sul piano teorico e nel 1914 pubblica due testi fondamentali per comprendere la sua visione artistica: «Pittura Scultura Futuriste» e «Dinamismo plastico».

Allo scoppio della prima guerra mondiale viene richiamato alle armi. Il 17 agosto del 1916, all’età di soli trentaquattro anni, muore per un banale incidente mentre era nelle retrovie dei campi di battaglia.

La sua precoce morte ha privato l’arte moderna di uno degli esponenti più geniali del panorama europeo di quegli anni. La sua attività di pittore si è svolta per un arco di circa dieci anni. In questo periodo Boccioni riesce ad attraversare, e far proprie, le maggiori novità artistiche del periodo, dal divisionismo al futurismo, dall’espressionismo al cubismo. E lo fa con ispirazione tale da consentirgli di produrre opere di sempre elevata qualità. Passa attraverso i territori della psicologia (notevoli sono i suoi quadri intitolati Stati d’animo), pur senza essere un decadente, così come apprende dall’espressionismo la capacità di comunicare, pur senza giungere alle esasaperazioni deformistiche di quella corrente.

Henri Cartier Bresson

Sat, 14 Oct 2006 08:49:38 GMT

Non sono necessarie molte presentazioni per chi è conosciuto come il padre della fotografia e ha fermato nei suoi scatti quasi un secolo di eventi. Henri Cartier-Bresson, uno tra i più convinti puristi della fotografia è nato il 22 agosto 1908 a Chanteloup, 30 chilometri ad est di Parigi, da una famiglia alto borghese amica delle arti. Inizialmente si interessa solo di pittura (grazie soprattutto all'influenza di suo zio, artista affermato, che all'epoca considerava un po' come un padre spirituale), e diventa allievo di Jaques-Emile Blanche e di André Lhote, frequenta i surrealisti e Triade, il grande editore.

Dagli inizi degli anni '30 sceglie definitivamente di sposare la fotografia.

Nel 1931, a soli 23 anni, ritornato in Francia dopo un anno in Costa d'Avorio, Henri Cartier-Bresson scopre la gioia di fotografare, compra una Leica e parte per un viaggio che lo porta nel sud della Francia, in Spagna, in Italia e in Messico. La Leica con la sua maneggevolezza e la pellicola 24x36 inaugurano un modo nuovo di rapportarsi al reale, sono strumenti flessibili che si adattano straordinariamente all'occhio sempre mobile e sensibile del fotografo.

L'ansia che rode Cartier-Bresson in questo suo viaggio fra le immagini del mondo lo porta ad una curiosità insaziabile, incompatibile con l'ambiente borghese che lo circonda, di cui non tollera l'immobilismo e la chiusura, la piccolezza degli orizzonti. Nel 1935 negli USA inizia a lavorare per il cinema con Paul Strand; tiene nel 1932 la sua prima mostra nella galleria Julien Levy.

Tornato in Francia continua per qualche tempo a lavorare nel cinema con Jean Renoir e Jaques Becker, ma nel 1933 un viaggio in Spagna gli offre l'occasione per realizzare le sue prime grandi fotografie di reportage.

Ed è soprattutto nel reportage che Cartier-Bresson mette in pratica tutta la sua abilità e ha modo di applicare la sua filosofia del "momento decisivo": una strada che lo porterà ad essere facilmente riconoscibile, un marchio di fabbrica che lo distanzia mille miglia dalle confezioni di immagini celebri e costruite.

Ormai è diventato un fotografo importante. Catturato nel 1940 dai tedeschi, dopo 35 mesi di prigionia e due tentate fughe, riesce a evadere dal campo e fa ritorno in Francia nel 1943, a Parigi, dove ne fotografa la liberazione.

Qui entra a far parte dell'MNPGD, un movimento clandestino che si occupa di organizzare l'assistenza per prigionieri di guerra evasi e ricercati.

Finita la guerra ritorna al cinema e dirige il film "Le Retour". Negli anni 1946-47 è negli Stati Uniti, dove fotografa soprattutto per Harper's Bazaar.

Nel 1947 al Museum of Modern Art di New York viene allestita, a sua insaputa, una mostra "postuma"; si era infatti diffusa la notizia che fosse morto durante la guerra.

Nel 1947 insieme ai suoi amici Robert Capa, David "Chim" Seymour, George Rodger e William Vandivert (un manipolo di "avventurieri mossi da un'etica", come amava definirli), fonda la Magnum Photos, cooperativa di fotografi destinata a diventare la più importante agenzia fotografica del mondo.

Dal 1948 al 1950 è in Estremo Oriente. Nel 1952 pubblica "Images à la sauvette", una raccolta di sue foto (con copertina, nientemeno, che di Matisse), che ha un'immediata e vastissima eco internazionale.

Nel 1955 viene inaugurata la sua prima grande retrospettiva, che farà poi il giro del mondo, al Musée des Arts Décoratifs di Parigi.

Dopo una serie di viaggi (Cuba, Messico, India e Giappone), dal 1966 si dedica progressivamente sempre più al disegno.

Innumerevoli, in questi anni, sono i riconoscimenti ricevuti, così come le esposizioni organizzate e le pubblicazioni che in tutto il mondo hanno reso omaggio alla sua straordinaria produzione di fotografo e di pittore.

Dal 1988 il Centre National de la Photographie di Parigi ha istituito il Gran Premio Internazionale di Fotografia, intitolandolo a lui.

Oltre ad essere universalmente riconosciuto tra i più grandi fotografi del secolo, Henri Cartier-Bresson ha avuto un ruolo fondamentale nella teorizzazione dell'atto del fotografare, tradotto tra l'altro nella già ricordata e celebre definizione del "momento decisivo".

Poco prima di raggiungere i 96 anni, è morto a Parigi il 2 agosto 2004. La notizia ha commosso e fatto il giro del mondo solo due giorni più tardi, dopo i funerali.

Jean Michel Folon

Wed, 09 Aug 2006 07:36:13 GMT

Il pittore e scultore Jaen-Michel Folon, nacque a Uccle, non distante da Bruxelles, nel 1934. Durante l’infanzia e l’adolescenza trascorre con la famiglia le estati a Knokke, sul Mare del Nord, al limite della magica regione d’acqua e terra dello Zwyn che probabilmente influenzerà i suoi successivi lavori.

Nel 1955 abbandonò gli studi di architettura all’Ecole Superior de la Cambre, nella capitale belga, per trasferirsi a Parigi per dedicarsi alla pittura e dove entra in contatto con gli ambienti dell'avanguardia artistica, con Pablo Picasso ed i surrealisti.

Il suo spirito libero lo portò ad abitare per ben cinque anni in un padiglione da giardiniere a Bougival, dove disegnava praticamente ogni giorno ed a viaggiare per l’Europa, in motorino oppure in autostop. In quel periodo scoprì per la prima volta l’Italia a cui resterà legato negli anni.

Nel 1960 cercò di far pubblicare qualcuno dei suoi disegni in Francia ma non ottenendo nessun risultato decise di inviarli ad alcune prestigiose riviste americane, dove seppure totalmente sconosciuto riscosse un buon successo. I suoi disegni cominciano a comparire su ’Horizon’, ’Esquire', ’New Yorker’.

Nel 1964 si tenne la sua prima mostra, proprio nella città che così poco lo aveva considerato: Parigi. Fu l’inizio di una brillante e varia carriera. Tra le sue produzioni, oltre ai suoi famosi acquarelli, le illustrazioni di libri di Kafka, Jorge Luis Borges, Guillame Apollinaire, Jacques Prevert, Guy de Maupassant, H.G. Wells ma anche murales per la metropolitana di Bruxelles, Olivetti e Snam.

Tra lo stupore e lo scetticismo dei critici a partire al 1991 iniziò a dedicarsi alla scultura a cui negli anni darà sempre maggior rilievo, riuscendo ancora una volta ad imporsi per la sua “leggerezza” nonostante la naturale pesantezza dei materiali usati (legno e bronzo).

All’inizio del 2005 curò personalmente la sua ultima mostra, proprio nella Firenze che tanto ha amato. Fu il suo ultimo impegno pubblico, si spense a Montecarlo, stroncato da una leucemia, il 20 ottobre 2005.

I suoi acquarelli sono famosi in tutto il mondo per i personaggi ironici ed eterei che sembravano usciti dai sogni di un bambino. Le sue opere sono vere e proprie poesie tradotte sulla carta e per questo fu soprannominato “il poeta dell’immagine” o “il pittore dei sogni”.

Ma Folon, animato da una profonda sensibilità per i temi della cultura e per i valori fondamentali del mondo moderno, si è distinto anche per il suo impegno civile, soprattutto in difesa dell'ambiente e della natura.

Tiziano Terzani, l'uomo, il giornalista, lo scrittore

Fri, 28 Jul 2006 07:58:10 GMT

Riassumere la vita di Tiziano Terzani è un’impresa quasi impossibile. Come lui stesso amava dire "la mia vita è stata un giro di giostra, sono stato incredibilmente fortunato e sono cambiato tantissimo".

Per questo motivo possiamo concentrare la sua biografia in due incontri fondamentali che lo hanno segnato profondamente: Angela Staude (la compagna di una vita e madre dei due figli Folco e Saskia) e l'Asia (il continente dai mille volti).

Il suo lavoro di giornalista ha inizio nel 1971, come corrispondente per il settimanale tedesco Der Spiegel da Singapore. Sarà corrispondente dall’Asia per 30 anni.

E’ stato testimone della maggior parte degli avvenimenti significativi del periodo:

- è a Saigon quando avviene la presa di potere da parte dei comunisti

- è fra i primi corrispondenti a tornare a Phnom Penh dopo l'intervento vietnamita in Cambogia

- dopo un lungo soggiorno in Cina viene arrestato per "attività controrivoluzionarie" e successivamente espulso

- è a Mosca durante il golpe anti-Gorbacëv ed assiste al crollo dell'impero sovietico.

Nel 1994 si stabilisce in India con la famiglia e nell’anno successivo il suo “Un indovino mi disse”, la cronaca di un anno vissuto come corrispondente dall'Asia senza mai prendere aerei, ottiene un notevole successo di critica e di pubblico.

Quando nel 1997 gli viene diagnosticato il cancro, si mette di nuovo in viaggio, alla ricerca della cura per il suo malanno. Da questa ricerca nasce la sua ultima opera, il libro che ha conquistato il cuore di migliaia di vecchi e nuovi lettori "Un altro giro di giostra", pubblicato nel 2004. Al termine del suo viaggio, Tiziano non trova, forse, la cura che cercava, scopre anzi che “la malattia è la cura”, e incontra strada facendo risposte alle mille domande che ognuno si pone: qual è il mio posto nel mondo, che senso dare al mio esistere e morire. Temi importanti, affrontati sempre con ironia, leggerezza, e profonda onestà. Il suo grande regalo, e forse uno dei segreti del suo successo, è stato quello di sapere restituire le proprie esperienze nella loro essenza primordiale: con un linguaggio chiaro, accessibile.

Nel 2001, pochi mesi dopo gli attentati dell'11 settembre e dell'attacco militare degli Stati Uniti in Afghanistan, interviene nel dibattito sul terrorismo pubblicando “Lettere contro la guerra”e subito dopo inizia un “pellegrinaggio di pace” attraverso scuole ed incontri pubblici cercando di spiegare l'assoluta necessità di intraprendere la strada del dialogo e della comprensione. L'unica percorribile se si vuole evitare di andare incontro alla distruzione.

Il 28 luglio 2004, mentre il suo messaggio è sempre più seguito e tutte le sue opere vengono ristampate in edizione economica, si spegne nella sua casa all'Orsigna, piccolo borgo sull'Appennino pistoiese. Ma prima di "lasciare il suo corpo", raccoglie i suoi pensieri in un lungo dialogo-diario con il figlio Folco dal titolo ”La fine è il mio inizio”, pubblicato nel marzo 2006.

Con metà della vita vissuta in Asia, Tiziano ha finito per assomigliare davvero ad un orientale: vestito di bianco, con sandali, barba lunga e capelli raccolti, gli occhi stretti e vivacissimi, la risata pronta. Ma il suo camuffarsi è stato un modo per andare incontro all'altro, per accorciare la distanza tra mondi lontani.

"Ridere, io trovo che ridere è una cura,

è parte della guarigione.

Per cui il consiglio che do a tutti

è cominciare con una grande risata

e finire con una grande risata."

Ieri, 3 Luglio 1971

Tue, 04 Jul 2006 07:40:36 GMT

Non serve

strappare le pagine della vita,

basta saper voltare pagina

e ricominciare.

Dedicato a Jim Morrison, poeta maledetto

a 35 anni dalla sua scomparsa

Joan Mirò...

Thu, 20 Apr 2006 07:55:20 GMT

Proprio oggi, oltre cento anni fa, è nato un grande artista... se passate da Barcellona non mancate una visita al suo Museo (Fundaciò Joan Mirò) perchè le sue opere viste dal vivo son ben altra cosa da una semplice riproduzione o immagine...

Infanzia e studi

Nato come figlio di un orefice e orologiaio in un vecchio quartiere di Barcellona il 20 aprile 1893, Joan Miró cominciò a disegnare dall’età di 8 anni. Su consiglio del padre Miró intraprese studi commerciali, ma in parallelo frequentò lezioni private di disegno; dal 1910 al 1911 lavorò come contabile, finché un esaurimento nervoso non lo convinse a dedicarsi all’arte a tempo pieno. Fu il lungo periodo di convalescenza passato nella casa di famiglia a Montroig del Camp a consolidare definitivamente la sua vocazione; lo stesso Miró riconobbe in seguito in Montroig e Maiorca i due poli della sua ispirazione.

Tornato a Barcellona nel 1912, frequentò l’Accademia Galí fino al 1915, dopodiché passò al Circolo Artistico di Sant Lluc. Furono questi gli anni in cui Miró scoprì il fauvismo e in cui tenne la sua prima esposizione personale alle Galeries Dalmau (1918).

Il periodo parigino

Attirato dalla comunità artistica che si riuniva a Montparnasse, nel 1920 si stabilì a Parigi, dove conobbe Picasso e il circolo dadaista di Tristan Tzara. Già in questo periodo, in cui disegnava nell’accademia La Grande Chaumière, cominciò a delinearsi il suo stile decisamente originale, influenzato inizialmente dai dadaisti ma in seguito spinto verso l’astrazione per l’influsso di poeti e scrittori surrealisti.

Nel 1926 collaborò con Max Ernst per la scenografia di Romeo e Giulietta e realizzò il celebre Nudo. L’anno successivo, dopo la morte del padre, Miró si trasferì alla Cité des Fusains ed ebbe come vicini, oltre ad Ernst, anche Jean Arp e Pierre Bonnard. Sempre a Parigi, nel 1928, la sua esposizione nella galleria Georges Bernheim lo rese famoso.

La maturità surrealista

Il 12 ottobre 1929 Miró sposò Pilar Juncosa a Palma di Maiorca; la coppia ebbe una unica figlia di nome María Dolores (nata il 17 luglio 1931 e morta nel dicembre 2004).

Iniziò in questi anni la sperimentazione artistica di Miró, che si cimentò con le litografie, l’acquaforte e la scultura, nonché con la pittura su carta catramata e vetro.

Con lo scoppio della guerra civile spagnola (1936) tornò a Parigi, ma fece ritorno in Spagna al momento dell’invasione nazista della Francia. Da questo momento visse stabilmente a Maiorca o a Montroig.

Miró fu uno dei più radicali teorici del surrealismo, al punto che André Breton, fondatore di questa corrente artistica, lo descrisse come “il più surrealista di noi tutti”. Tornato nella casa di famiglia, Miró sviluppò uno stile surrealista sempre più marcato; in numerosi scritti e interviste espresse il suo disprezzo per la pittura convenzionale e il desiderio di “ucciderla” ed “assassinarla” per giungere a nuovi mezzi di espressione. La prima monografia su Miró fu pubblicata da Shuzo Takiguchi nel 1940.

Dopo la morte della madre, avvenuta nel 1944, Miró iniziò a dedicarsi a lavori di ceramica e a sculture di bronzo.

Gli anni della celebrità

Nel 1954 Miró vinse il premio per la grafica alla Biennale di Venezia e nel 1958 il Premio Internazionale Guggenheim. In questi anni fece molti viaggi ed esposizioni negli Stati Uniti.

Fin dal 1956 si stabilì definitivamente a Palma di Maiorca in una casa progettata e costruita dal cognato, cui aggregò in seguito un laboratorio e uno studio di pittura grazie all’aiuto dell’amico Josep Lluís Sert. Al fine di preservare la proprietà così delineatasi, per lui luogo creativo per eccellenza, Miró ne donò parte alla cittadinanza, che nel 1981 vi allestì la Fundació Pilar e Joan Miró.

Già nel 1972, d’altronde, Miró aveva creato la Fundació Joan Miró a Barcellona.

Nel 1978 si dedicò alla scenografia per uno spettacolo teatrale, nonché alla scultura monumentale. Risale a questo periodo la sua celebre scultura Dona i ocell (Donna e uccello), che si trova nel parco Joan Miró a Barcellona.

Gli ultimi anni

Per i riconoscimenti in patria Miró dovette attendere gli anni della vecchiaia e la caduta del franchismo: nel 1979 l’Università di Barcellona gli conferì la laurea honoris causa (l’Università di Harvard aveva già provveduto nel 1968); nel 1980 ricevette la medaglia d’oro delle Belle Arti dal re di Spagna Juan Carlos; nel 1981 fu premiato con la medaglia d’oro di Barcellona e della Generalitat (governo della Catalogna).

In età avanzata Miró accelerò il suo lavoro, creando ad esempio centinaia di ceramiche, tra cui il Muro della Luna e il Muro del Sole presso l’edificio dell’UNESCO a Parigi. Si dedicò pure a pitture su vetro per esposizione.

Negli ultimi anni di vita Miró concepì le sue idee più radicali, interessandosi della scultura gassosa e della pittura quadridimensionale.

Joan Miró morì a Maiorca all’età di 90 anni e venne sepolto a Barcellona, nel cimitero di Montjuïc.